Ludus Mechanicus

Ludusmechanicus suspended…

ludusmechanicus — Thu, 10 Feb 2011 13:11:48 +0000

Das Ludusmechanicus war einige Zeit nicht erreichbar. Leider war der Prozess, es wieder in Gang zu bekommen etwas komplizierter, als es die kurze Antwort von WordPress.com vermuten läßt.

Hi,

A mistake was made in the system which we have corrected. The blog is back just as you left it.

We are really sorry for that happening and the inconvenience it caused you.

–
Anthony
WordPress.com

Jedenfalls ist alles wieder beim Alten und ich hatte dadurch einen Reminder bekommen, dass ich mich wirklich unbedingt wieder mehr um dieses Blog kümmern muss!

Cheers,

Volker

Anzeige gegen 1378Km

ludusmechanicus — Fri, 01 Oct 2010 21:14:32 +0000

Noch ist das Serious Game 1378 km nicht veröffentlicht, trotzdem sorgt der an der deutschen Grenze angesiedelte Ego-Shooter 1378 km für Empörung bei Opfern des DDR-Regimes und bei Politikern. Eine erste Anzeige liegt vor. (Vollständiger Artikel unter http://www.golem.de/1009/78324.html)

1378 Km

Es gibt zahlreiche Diskussionen zum Thema Videospiel als Kunst und immer wieder wird dabei auf teure Produktionen, wie Heavy Rain verwiesen. Doch zumeist handelt es sich bei den besagten Titeln um kunstvolle, im Sinne von handwerklich hochwertige, geschaffene kommerzielle Produkte. Damit Game Design oder Videospiele als Kunst und somit auch stärker als Kultur wahrgenommen werden, benötigen wir Designer, die sich an die Grenze wagen. Ohne Picassos Les Desmoiselles d’Avignon wäre die Geschichte der der Malerei heute undenkbar. 1907 aber, war das Gemälde mit den nackten Frauen ein Schock für die Gesellschaft. Picasso erntete überwiegend sehr negative Meinungen zu seinem Werk.

Ich möchte den Entwickler von 1378 Km, Jens M. Stober, nicht auf die Stufe eines Picasso heben, aber Grenzgänger(!) wie er und Brenda Brathwaite (ich wünschte, ihr Spiel Train wäre von einem Deutschen entwickelt worden) sind nötig, um Videospiele aus dem Fokus der Killerspiel-Debatten zu bewegen. Das mag widersprüchlich klingen, ist aber meiner Meinung nach ein wichtiger Schritt, um die Ebene der puren Unterhaltung zu durchbrechen und auf die Kraft des interaktiven Mediums hinzuweisen.

Train - ein nachdenkliches Spiel

Letztendlich werden wir mit der klassischen Definition von Spiel brechen müssen, um es als Kunst zu erfassen. Denn Spiel bedeutet „ohne Zweck“ zu sein. Wenn ich jedoch spiele, um Kunst zu erfahren – um nachzudenken und Geschichte zu reflektieren – so wird Spiel zu Kunst und verliert die Essenz des Spiels. Es ist damit nur noch Kunst und kein Spiel. Spiel muss dann auch nicht mehr Spaß machen. Es kann sich als Medium der Gesellschaft weiterentwickeln und eben nur noch Kunst sein.

In diesem Sinne möchte ich dem Autor Jens M. Stober und der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe für ihr Festhalten am Projekt danken. Die Opfer der innerdeutschen Grenzpolitik werden durch das Spiel nicht beleidigt. Es ruft die Opfer in Erinnerung. Es lässt eine junge Generation einen Moment innehalten und nachdenken, was damals geschehen ist. Auch wenn die Darstellung unrealistisch und verfremdet ist, so regt sie gerade dadurch an, sich mit dem Thema weiter zu befassen. „Ist es so gewesen?“ – Nein, aber wie ist es denn dann gewesen? Hier kann ein Link im Spiel oder auf der Webseite aufklären. Damit wir nicht vergessen. Es ist Teil von unserer Identität als Volk.

http://www.chronik-der-mauer.de/

Warum geht es nicht weiter?

ludusmechanicus — Sun, 15 Aug 2010 10:35:31 +0000

Es wird weitergehen. Aber in diesem Sommer muss ich eine Pause nehmen. Ich hoffe, dass ich im Herbst wieder in das Ludus Mechanicus einsteigen kann.

Warum?

So gegen Ostern hatten meine Frau und ich unseren Plan „Irgendwann ziehen wir wegen der Kinder nach München“ spontan um „Warum nicht diesen Sommer?“ erweitert. Da wir seit vielen Jahren davon reden, irgendwann in den Süden zu ziehen, hat das keiner unserer Freunde wirklich geglaubt. Doch dann ergab sich ein interessantes Job-Angebot und bevor wir uns versahen, stand der Umzugs-LKW vor der Tür. Für mich bedeutete das: meine laufenden Projekte abschließen und unzählige Warhammer-Figürchen einpacken. Das war locker genug Arbeit für zwei Volker, aber dazu gesellte sich dann noch die Prüfungszeit meiner Lehraufträge.
Jetzt sitze ich zwischen geöffneten Umzugskartons und versuche vor dem Flug zur GDC noch einige Dinge zu erledigen. Das ist auch nur möglich, weil meine Frau und Kinder im Urlaub sind. Seit zwei Wochen bin ich nun der Abteilungsleiter für Game Design bei Travian Games und ich fühle mich dort bereits jetzt sehr wohl. Die derzeitigen Spiele von Travian Games spiegeln die sehr erfolgreiche Gründerzeit von vor einigen Jahren wider, zeigen aber nur wenig davon, was die Mitarbeiter aktuell wirklich auf dem Kasten haben. Was ich da so mache, werdet ihr wohl erst 2012 so richtig sehen können (wenn ich vorher nicht rausfliege).

Also entschuldigt bitte den harten Schnitt mitten im Kurs und gebt mir noch ein paar Wochen, um mich einzuleben und einiges zu sortieren. Dann werde ich gerne das Ludus Mechanicus mit neuen Themen wiederbeleben.

Cheers!
Euer Volker

Online-Kurs zu Game Balancing

ludusmechanicus — Thu, 01 Jul 2010 08:43:15 +0000

Leider bin ich zur Zeit immer noch sehr stark beruflich und privat eingebunden, so dass ich nur wenig neue Inhalte veröffentlichen kann. Das wird sich auch bis zum August nicht ändern, trotzdem werde ich versuchen das Frankenstein-Projekt so gut wie möglich fortzuführen.

Zwischenzeitlich hat mein Freund und Kollege Ian Schreiber einen neuen Sommerkurs zum Thema Game Balancing angekündigt. Ich möchte Ians Kurs jedem empfehlen, der bereits ein Grundverständnis von Game Design hat. Wer gerade erst anfängt, sollte zuerst Ians (http://gamedesignconcepts.wordpress.com/) oder meinen Kurs (http://ludusmechanicus.wordpress.com/2010/03/01/online-kurs-ws-20092010/) aus dem letzten Jahr anschauen. Ian Schreibers Kurs zum Thema Game Balancing und alle Infos findet ihr hier: http://gamebalanceconcepts.wordpress.com/

Archetypen: Der Mentor

ludusmechanicus — Tue, 22 Jun 2010 07:38:24 +0000

Der Mentor

Mentor mit Bart und grauem Haar: Gandalf.

Der Mentor ist an seinem fortgeschrittenen Alter und weißem Bart leicht zu erkennen. Nein, auch wenn Gandalf, Merlin, Obi Wan Kenobi, und viele andere genau diesem Typ entsprechen, so gibt es den Mentor in vielen Gestalten. In der Serie Heros treffen wir auf einen gebrochenen Mentor (Claude Rains) oder in vielen Filmen Jack Lemmon, als einen komischen Mentoren an der Seite von Walter Matthau. Ein typischer dunkler Mentor ist Mephisto an der Seite des Gelehrten Faust.

Der Mentor ist, wie fast alle Archetypen, eine Funktion und keine Person. Er ist nicht auf eine spezifische Rolle in einer Geschichte beschränkt, sondern kann immer wieder in unterschiedliche Akteure schlüpfen. Häufig sehen wir den Mentor auch in der Rolle des Erfinders, wie Doc Brown in Zurück in die Zukunft oder Q bei James Bond.

Da der Mentor üblicherweise dem Helden eine Gabe überreicht, hat es der Erfinder besonders leicht, da er einfach eine seiner Erfindungen übergibt. Die Zeitmaschine in Form des Delorean von Zurück in die Zukunft dürfte eine der coolsten Gaben sein, die je einem Helden übergeben wurde.

Eine coole Gabe: Der Delorean

Der Held sollte allerdings eine Verpflichtung eingehen, wenn er die Gabe erhält. Er soll sie sich schließlich verdienen. Diese Gaben sind oft eine Vorausdeutung auf Ereignisse, die in der Geschichte auftreten werden. So fragt sich der Zuschauer schon zu Beginn, wann Bond seinen Schleudersitz verwenden wird.

Der Mentor tritt meist im ersten Akt der Geschichte auf und motiviert den Helden seine gewohnte Welt zu verlassen. Er führt ihn in die neue Welt ein, die er kennen lernen wird. Traditionell ist der Mentor in vielen alten Geschichten auch derjenige, der die Sexualität erklärt. Wir kennen das aus Teeny-Komödien, wie Eis am Stiel oder American Pie. Der Mentor ist dann häufig der beste Freund des Helden, der ihm gute oder weniger gute Tipps im Umgang mit dem anderen Geschlecht gibt.

Der Mentor nimmt zuweilen auch die Rolle des Gewissen des Helden ein. Der Held erinnert sich an die Worte des Mentors und entscheidet sich für die richtige Handlung.

Beispiel: Morpheus in Matrix

Lehrer und Führer in die neue Welt: Er erklärt Neo die Matrix (Häusersprung, Martial Arts).
Übergabe der Gabe: Zuerst schickt er Neo das Handy, um ihn aus der Bedrohung durch die Agenten zu führen. Mit der roten oder der blaue Pille schenkt er Wahrheit oder Traum.

Es folgt: der Wächter (Schwellenhüter)

Storytelling – Archetypen 1

ludusmechanicus — Fri, 11 Jun 2010 17:27:28 +0000

Puh! Tut mir sehr Leid, dass ich das Blog in den letzten Wochen so vernachlässigt habe. Aber es gab einfach zu viele überaschende Neuigkeiten, die meine volle Aufmerksamkeit verlangt haben. Jetzt ist aber (fast) alles in geregelten Bahnen und ich kann wieder einsteigen.

Heute werde ich etwas in den Bereich der Erzählung einsteigen. Dieser Bereich gehört nicht zu meinem absoluten Fachwissen und es gibt sicher einige, die dies besser erklären könnten. Trotzdem werde ich versuchen hier kurz etwas über Erzählung und Spielen zu schreiben.

Ich unterteile in diesem Bereich: Storytelling, Character Design und World Building.

Storytelling

Vorab: Wer glaubt, es wäre bereits alles über Interactive Storytelling gesagt worden, muss sich nur einmal die Geschichten ansehen, die wir auf dem Computer erzählen. Es gibt nur sehr wenige Storys, die uns wirklich in den Bann ziehen. Wirklich vergleichbar ist das noch nicht zu guten Romanen oder Filmen. Aber das wird sich ändern, da bin ich mir sicher (obwohl ich geglaubt habe, es würde schneller gehen). Es gibt noch viel zu lernen über traditionelles Erzählen und Game Design. Ein bekannter Ansatz sind die Pen&Paper Rollenspiele (RPGs), in welchen normalerweise ein Spieler die Funktion des Erzählers übernimmt und die Spieler in jeder Szene neu in die Story einbindet. Dabei kann der Spieler die Story durch seine Entscheidungen verändern. Und genau das ist es, was eine spielerisch erzählte Story ausmacht: Entscheidungen treffen, die eine Bedeutung haben.

Obwohl es bisher kein vergleichbares Medium zum P&P RPG gibt, wenn es um Entscheidungsfreiheit und individuelle Spielanpassung gibt, liegt dieses Spielgenre am Boden zerstört. Selbst die Branchengrößen, wie Dungeons&Dragons und Das Schwarze Auge, gehen am Stock, was die Umsätze angeht. Die Spielergemeinden scheuen den Aufwand des klassischen RPGs und nutzen lieber die aktuellen MMOs oder ActionRPGs auf dem Computer.

Die Archetypen

Ein viel beachtetes Konzept, ist das der Archetypen. Es stellt so etwas wie einen Wunder-Baukasten dar, mit dem man das Grundgerüst einer Geschichte aufbauen kann, die von Menschen überall auf der Welt intuitiv verstanden wird. Warum ist das so? Dazu müssen wir betrachten, woher dieses Konzept stammt.

Der bekannte Psychologe C. G. Jung hatte vermutet, dass im Unterbewusstsein des Menschen allgemeine Motive festgelegt sind, an denen sich die Mythen der unterschiedlichen Kulturen orientieren. Sie bestimmen die Darstellung der sogenannten Archetypen.

Strombetten, in denen sich das seelische Erleben der Menschheit seit eh und je bewegt.

An dieser Stelle muss ich abkürzen, denn Herr Jung hat ganze Bücher dieser Arbeit gewidmet und ich habe nur einen Blogbeitrag. Aber auch heute sind seine Aussagen noch überaus interessant und lesenswert.

Der Mythenforscher Joseph Campbell arbeitete das Konzept der Archetypen in seine Theorie einer universellen Struktur von Mythen und Religionen ein und schrieb 1949 zu diesem Thema das Buch Der Heros in tausend Gestalten, in dem er auch die Heldenreise vorstellt:

Der Heros muss sich von der normalen Welt oder ihres Lebens bis zu dem Punkt, an dem die Geschichte einsetzt, gelöst haben. Anschließend muss der Heros in der neuen Welt, in der die Reise stattfindet, eine Reihe von Proben bestehen und zahlreiche Hindernisse überwinden, um in bisher unbekannte Daseinsformen initiiert zu werden. Schließlich kehrt der Heros zurück, um das Gelernte mit anderen zu teilen.

Diese Aussage beschäftigte unter anderem den jungen Filmemacher George Lucas, der unter anderem diese Ansicht Campbells in seinem Drehbuch für Star Wars verwendet. Lucas trifft Campbell erst 1984, Jahre nach der Premiere von Star Wars, als er eine Vorlesung von ihm besucht. Er bleibt von der Macht des Mythos begeistert und beschäftigt sich auch weiterhin mit Campbell und dessen Theorie.

Christopher Vogler ist es aber, der durch sein sieben Seiten langes Memo A Practical Guide to The Hero with a Thousand Faces, welches er aus Campbells Aussagen zusammenfasste, um Drehbücher für Disney zu bearbeiten, eine Anleitung für die Drehbuchautoren Hollywoods erschafft.

Nun aber endlich zu den Archetypen selbst… heute den wichtigsten zuerst.

Der Held

Thomas A. Anderson alias Neo in MATRIX

Der Mittelpunkt jeder Geschichte ist der Held. Der Zuschauer/Zuhörer/Spieler soll sich mit ihm identifizieren, deshalb ist er bewundernswert, besitzt im Idealfall aber dennoch Fehler oder steht in einem Konflikt. Seine Motivation sollte allgemeiner Natur und somit von jedem nachvollziehbar sein: Freiheit, Gerechtigkeit, Liebe, Wahrheit oder Rache. Der Held treibt die Geschichte durch sein Handeln voran. Seine Entscheidungen beeinflussen den Verlauf der Geschichte (weshalb man sich in linearen Storys von Videospielen eher selten als Held fühlt). Der Held ist normalerweise die Figur der Geschichte, die sich am stärksten entwickelt und er ist an eine Gemeinschaft gebunden. Klassischerweise verlässt er die Gemeinschaft zu Beginn der Geschichte und kehr zu ihr nach der Erfahrung in der fremden Welt am Ende zurück (Umkehr: Westernheld). Diese enge Bindung zur Gemeinschaft stellt sich in seiner wichtigsten Eigenschaft dar: Opferbereitschaft! Der Held ist bereit sich für die Gemeinschaft zu opfern. Er zeigt uns den Umgang mit dem Tod und der Auferstehung (Symbol für Verlust und Wiedergewinn). Wir kennen zwei typische Helden in den aktuellen Hollywoodfilmen: den Draufgänger, der von Anfang an schon sehr dynamisch vorgeht (Axel Foley in Beverly Hills Cop) oder den passiven, schüchternen Typen, der sich erst im Laufe der Story entwickelt (Peter Parker in Spiderman).

Beispiel: Neo in Matrix

Opferbereitschaft und allgemeines Motiv: Er ist bereit für die Freiheit der Menschen zu sterben.
Nachdenklicher Typ wird zum Anführer: Er zweifelt an sich und lehnt seine Führerrolle zunächst ab.
Treibt die Handlung an: Seine Kämpfe und Entscheidungen prägen den Weg der rebellierenden Menschen.
Zu Beginn der Geschichte trennt sich Neo von seiner vertrauten Welt und Gemeinschaft. Er begibt sich in eine fremde Welt und kehrt am Ende wieder in eine Gemeinschaft zurück.

Als nächstes: Der Mentor.

Wo ist der Beitrag?

ludusmechanicus — Tue, 18 May 2010 09:07:19 +0000

Tut mir leid, aber ich weiß noch nicht, wann ich diese Woche einen Beitrag schreiben kann.

*work work*

Pen&Paper Prototyp / Iteratives Design

ludusmechanicus — Sun, 09 May 2010 21:15:11 +0000

Ich bin seit einigen Tagen krank… so richtig platt. Daher benutze ich die Aufmerksamkeit meiner wenigen wachen Momente für Antworten im Forum. Dort findet die eigentliche Arbeit mit der Spielidee in der aktuellen Phase statt: Ideen posten, Konzepte posten, Fragen stellen, mit anderen über die eigenen Gedanken diskutieren. Leider haben nur wenige bisher ihre Idee dort weiterverfolgt. Macht das! Genau dieser Prozess findet im Berufsleben eines Game Designers ständig statt. Er muss seine Ideen und Konzepte schriftlich anderen vorstellen und sich auf Kritik einlassen. Man könnte sagen, dass ist die primäre Arbeitsweise des Game Designers in heutigen Videospielproduktionen.

Hier ist der Bereich, wo ihr eure Gedanken niederschreiben sollt.

Nächste Woche werde ich dann hoffentlich wieder voll auf dem Damm sein und etwas zum Thema Storytelling schreiben. Damit ihr aber etwas zum Lesen habt, folgt nun ein Artikel von mir über iteratives Game Design / Rapid Prototyping.

Rapid Prototyping – Warum Papierprototypen und geht das überhaupt?

Ein Papierprototyp ist bei meiner Idee nicht umsetzbar.

Das dürfte die häufigste Fehlannahme sein, die ich bei der Begegnung mit Entwicklern zu hören bekomme. Bevor ich dieses Mysterium auflöse, zunächst ein paar Infos, warum Prototypen in der Entwicklung sinnvoll sind. Dies gilt für alle Arten von Prototypen, also auch digitale Prototypen, Art-Prototypen (Concept-Scetches) und so weiter.

Waterfall Entwicklungsprozess

Traditionelle Softwareentwicklung funktioniert nach dem Waterfall-Modell:

Waterfall

Zum Beispiel wollen wir ein neues Jedi-Spiel für den PC auf den Markt bringen. Zu Beginn steht der Entwurf. Das ist ein Game Design Dokument, in dem alles zu dem Spiel beschrieben ist: Zielgruppe, Spielmechanik, Charaktere, Story, Dialoge, Items, Level, Engine und vieles mehr. Mit etwas Glück hat der Game Designer die 1.000 Seiten gesprengt und ist nun unheimlich stolz auf dieses umfangreiche Monumentalwerk.

Dieser Papierstapel wird nun kopiert und an die Programmierer weitergereicht. Diese setzen das Ganze in der Engine um (Artwork, usw. arbeitet parallel). Am Ende kommt die Post Production und prüft das Ergebnis. QA (Quality Assurance) gibt ein Daumen hoch zur Charakteranimation und Lucas Arts bestätigt die korrekte Umsetzung der Lizenz. Die Tester haben noch ein paar Bugs entdeckt, die schnell gefixed werden, denn der Release-Termin steht an: 23. Oktober – pünktlich zum Weihnachtsgeschäft. Damit der Multiplayermodus funktioniert, hätten die Netzwerkcoder noch zwei Wochen länger gebraucht, aber die zweite Novemberwoche ist leider schon durch Modern Warfare 4 belegt. Dann hätten wir kein einziges Stück verkauft. So müssen wir eben patchen, kein Problem.

Das Waterfall-Modell erlaubt keine Redesigns oder Korrekturen des Entwurfs, es werden hauptsächlich Fehler der Programmierung verbessert und das Balancing durch Veränderung der Werte erlangt. Hat zum Beispiel das Kampfsystem in seiner Struktur ein Problem, kann dies nicht mehr behoben werden.

Iteratives Design

Iterativ bedeutet wiederholend, weshalb der Prozess kreisförmig verläuft. Der Entwurf wird als Prototyp umgesetzt und getestet. Danach bewertet man die Ergebnisse und prüft, ob Änderungen nötig sind. Ist das erwünschte Ergebnis erreicht, geht es zum nächsten Entwicklungsprozess. Ansonsten bleibt der Prototyp im Kreislauf und wird weiter verbessert.

Diese Kreisläufe werden für einzelne Module benutzt. Wir konzentrieren uns auf Spielmechaniken, aber der Prozess funktioniert genauso mit Artwork oder Programmcode. Der Entwicklungsprozess besteht demnach aus vielen solchen iterativen Designabläufen, mit unterschiedlichen Prototypen (Pen&Paper und digital).

Rapid Prototyping

Aber zurück zu unserem Pen & Paper Prototyp:

Viele neue Game Designer denken bei einem Papierprototyp sofort an ein Brettspiel. Das ist natürlich, denn Brettspielprototypen und Papier-Videospielprototypen (Physical Prototype) sehen sich häufig sehr ähnlich. Allerdings gibt einen ganz entscheidenden Unterschied. Der Videospielprototyp soll nicht die Aesthetic, also den Spielspaß simulieren, sondern nur die Spielmechanik auf das Gameplay überprüfen. Kurz:

Der Prototyp muss keinen Spaß machen!

Brettspielprototypen müssen das Spaßerlebnis erzeugen, dass das fertige Verlagsprodukt bestimmt. Videospielprototypen sollen nur eine Mechanik prüfen, ob sie in sich funktioniert.

Da wir uns jetzt auf Prototypen für Videospiele konzentrieren, meine ich mit dem Begriff Prototyp fortan einen Videospielprototypen, keinen Brettspielprototypen.

Je nach Spielsystem sieht der Prototyp auch völlig unterschiedlich aus. Adventures oder Spiele, die eine Explorationsdynamik verfolgen funktionieren am besten als interaktives Storyboard. Wichtig ist einzig und allein, dass wir schnell unsere neue Spielmechanik testen können.

Warum überhaupt Prototypen?

Prototypen sind eine wichtige Station im Entwicklungsprozess um das Risiko eines schlechten Produktes zu minimieren. Oder andersherum: Prototypen erhöhen die Erfolgschance eines Spiels. Das ist umso wichtiger bei großen Innovationen. Ist das Spiel nur ein Klon des Vorgängers, ist das Risiko einer Fehlentwicklung geringer. Je höher der Innovationsgrad desto eher muss ich prüfen, ob das Spiel wirklich funktioniert und für meine Zielgruppe geeignet ist.

Warum Pen & Paper Prototypen (Physical Prototypes)?

Prototypen aus Papier haben viele Vorteile:

Kosten: Es ist billig! Papier, Stifte, Würfel, kosten fast nichts. Die 5€ passen in jedes Budget und das Projekt kann ohne Finanzierung gestartet werden.
Technologieunabhängig: Es wird keine Technik benötigt. Software, Internet, … alles nicht zwingend notwendig. Miete mit deinem Team im Winter eine Hütte am Meer. In einer Woche kann man so ein komplexes Spiel durcharbeiten und abends noch wunderbar zusammen Dungeons & Dragons spielen.
Geschwindigkeit: Es ist schnell! Kein Artwork, kein Coding, kein großes Basteln. Der Prototyp sollte möglichst einfach gehalten sein. Hohe Qualität ist eher hinderlich für den folgenden Punkt.
Korrekturen: Einfache schnelle Korrekturen. Durchstreichen und neu malen. Komplette Redesigns sind ohne Schuldgefühle möglich, denn kein Programmierer hat bereits einen Tag daran gesessen, kein Artist hat schon Zeichnungen gemacht. Steckt man viel Zeit und Arbeit in einen Prototypen, ist die Gefahr hoch, ihn nur deshalb nicht in die Tonne zu hauen.
Flexibilität: Fast alle Mechaniken sind durch Papier-Prototypen darstellbar. Auch diejenigen, die primär mit Videospielen verbunden werden.
Spieler-Feedback: Kritik von Spielern ist in „Echtzeit“ sofort einfügbar. Die Runde muss nicht einmal zu Ende gespielt werden.
Testpieler: Die Zielgruppe kann sofort eingebunden werden, als Testspieler. Es ist nicht nötig Experten mit technischem Wissen einzusetzen. Jeder Spieler kann auf höchsten Niveau ohne Einschränkungen am Designprozess teilhaben.
Machen statt Reden: Es zwingt zum Handeln. Statt Texte im Dokument zu schreiben muss die tatsächliche Umsetzung erfolgen. Es ist etwas völlig anderes, zu sagen: “Das Spiel hat 60 Karten mit Questgegenständen”, als diese spielbar in die Realität umzusetzen. Game Designer, mach deinen Job! Leg los!

Einen Prototyp herstellen:

Zunächst sollte man den Prozess kennen lernen. Das funktioniert am besten, in dem man einen Prototyp von einem existierenden Spiel erstellt. Das kann ein Videospiel sein, aber auch ein Brettspiel. Brettspiele eignen sich sehr gut, um sie danach zu verändern: eine neue Spielmechanik hinzufügen und beobachten, wie sich dadurch das Gameplay entwickelt.

Hier sehen wir einen Prototyp zu Batman: Arkham Asylum. Die Studenten aus dem ersten Semester der Games Academy stellten so innerhalb von ca. 30 Minuten die Grundstruktur des Free Flow Combat Systems dar.

Free Flow Combat System

1. Objekte

Zunächst muss das primäre Gameplay dargestellt werden. Dazu benutzen wir die typischen Materialien eines Pen & Paper Prototypen: Papier, Buntstifte, Holzklötze und ähnliches. Sie stellen die Objekte unseres Systems dar (siehe Spiele als System).

Welche Objekte sind nötig für die Kernmechanik?
Zum Beispiel einen Spieleravatar (Batman), mindestens einen Gegner (Schurke „Otto“) und das Spielfeld (Papier mit Feldern darauf = Grid).
Welche Eigenschaften haben diese Objekte?
Batman kann GEHEN, aber auch schneller LAUFEN. Er kann SPRINGEN und ANGREIFEN. Er hat LEBENSPUNKTE und kann noch viel mehr, aber wir dürfen nicht vergessen: er kann auch einfach NIX tun.
Welche Beziehungen werden durch die Eigenschaften bedingt?
Wenn Batman ANGREIFT, so trifft er immer und macht SCHADEN.

In diesem Stadium kommen viele Fragen auf. Wie weit kann sich der Spieler bewegen? Wie viel Schaden macht sein Angriff? Diese Fragen müssen wir nicht alle sofort lösen. Wir sollten sie aber kurz notieren und die herausnehmen, die für das primäre Gameplay (für das, was der Spieler am häufigsten macht) wichtig sind. Diese bestimmen wir sofort mit unserer besten Schätzung: Batman soll einen einfachen Schurken mit fünf Angriffen niederschlagen. Also macht Batmans Angriff 1 Punkt Schaden und der Schurke hat 5 Lebenspunkte.

Bedenke, dass wir diese Werte sofort ganz einfach in Sekunden ändern können, wenn uns etwas anderes in den Kopf kommt (Batman kann ANGRIFFE KONTERN und das soll auch Schaden machen, aber weniger als sein Angriff. KONTERN macht dann 1 Punkt Schaden und wir erhöhen die Werte für den normalen ANGRIFF auf 2 und die LEBENSPUNKTE des Schurken auf 10.).

Objekteigenschaften: Batman

2. Regeln

Nachdem wir eine Grundlage haben, müssen wir weiter an den Bedingungen arbeiten. Wenn der Spieler perfekt spielt, wird Batman nie von seinen Gegnern getroffen. Das ist unsere Ausgangssituation, denn wir wollen Batman als unbesiegbaren Helden verkörpern. Auch wenn das vielleicht später aufgrund des Schwierigkeitsgerades kaum ein Spieler schaffen wird, so ist es für uns wichtig für die Rahmenbedingungen. Damit das funktioniert darf immer nur ein Gegner Batman angreifen, nie mehrere gleichzeitig!

Das ist eine Regel, die wir erstellt haben. Unsere Objekte werden nun durch Regeln gesteuert. Jedes Feature (Waffen, PowerUps, usw.) erstellt oder erweitert eine bestehende Regel. Deshalb addiere die Features erst später, eines nach dem anderen. Beginne mit den grundlegenden Regeln.

Erst Grundregeln, dann Features.

3. Testen, testen, testen

Jetzt ist der Prototyp spielbar. Teste ihn und bewerte das Gameplay. Beachte: das Spielen muss keinen Spaß machen! Es soll nur zeigen, ob deine Werte und Regeln funktionieren. Klappt etwas nicht, ändere es sofort und teste es erneut.

Wichtig: notiere was klappt und was nicht funktioniert. Erläutere die Ergebnisse der Analyse. Diese Erfahrungen sind deine wichtigste Fähigkeit beim designen von neuen Spielen.

Irgendwann bist du dir sicher, dass dein Prototyp funktioniert und als Spiel Spaß machen wird. Das ist der beste Zeitpunkt, um noch einmal neu anzufangen. Nur weil dein Spiel jetzt gut ist, ist es vielleicht noch nicht großartig. Kannst du es noch weiter verbessern? Experimentiere mit deinem Prototyp. Jetzt hast du noch die Freiheit es zu tun.

Nach dem Semester würde ich gerne auf den Prozess des Prototyping noch einmal genauer zurückkommen, mit vielen Beispielen und Übungen. Erinnert mich bitte mal daran

Und weil es gerade in Deutschland noch nicht zum Standardverfahren der Entwickler gehört Pen & Paper Prototypen einzusetzen, ein paar Kommentare von US-Entwicklern (aus Interviews von T. Fullerton, Game Design Workshop)

We use these prototypes to prove things we don’t know rather than to prove subjective concepts like “Is this game fun?”
Peter Molyneux, Managing Director Lionhead Studios

Prototypes are critical.
Lorne Lanning, President Oddworld Inhabitants

I’m a huge believer in the prototype > playtest > redesign loop as the ultimate method for making great games.
Frank Lantz, Creative Director area/code

You can’t get good at making games unless you make games… Tear apart board games to prototype your ideas.
Bill Roper, Design Director Cryptic Studios

Even when designing computer games, I try to build a paper prototype if it’s all possible. I need to put the game in front of real players for several rounds of quick, iterative testing, and paper prototypes are much quicker to modify.
James Ernest, President Cheapass Games

Prototyping is a key part of my design process because it is the very best way to understand what your player will experience and to begin to see the kind of possibility space the game provides.
Katie Salen, Co-Autor Rules of Play, Associate Professor Parsons the New School for Design

Many games lend themselves very easily to paper prototypes, and even if the whole game cannot be modeled this way, isolated parts can often be playtested and designed using this process.
Nikita Mikros, Lead Game Designer Tiny Mantis Entertainment

Prototyping is important.
David Perry, CEO GameConsultants.com

Prototypes are critical for me… Prototyping and playing is the only way to see ideas in motion and test their validity.
Branda Brathwaite, Professor Savannah College of Art and Design

Something we believe in strongly here at Blizzard is iterative design.
Rob Pardo, Vice President of Game Design Blizzard Entertainment

I’m a big believer in prototypes.
Rian Hersch, Genral Partner Hersch and Company

I use them [prototypes] as much as I can.
Heather Kelly, Game Designer

We prototype as quickly as we can. When the game is playable we test, fix, retest, and so on in a process we call design by playing.
Bruce C. Shelly, Senior Designer Ensemble Studios

If you consider video games as an art form such as painting, then prototypes are the sketches of video games.
Jenova Chen, Cofounder und Creative Director thatgamecompany

Building a prototype is absolutely critical. The only time you absolutely don’t have to is if you’re building a sequel using the same engine, and even then I still recommend it.
Troy Dunniway, Creative Producer Brash Entertainment

… you will find that this is probably the most effective way to create gameplay
Tracy Fullerton, Autor Game Design Workshop, Assistant Professor USC School of Cinematic Arts

Spaß und Gameplay

ludusmechanicus — Mon, 03 May 2010 10:11:21 +0000

Ich füge an dieser Stelle einen Artikel aus dem letzten Semester ein. Er soll eine Übersicht geben, welche Formen von Spaß wir erschaffen können.

Dieser Artikel könnte auch ganz am Anfang eines Einführungskurses stehen, schließlich ist Spaß der Grund für den ganzen Aufwand, den wir Spieleentwickler betreiben. Spaß stammt vom italienischen Spasso ab, was Vergnügen, Freude oder Frohsinn bedeutet. Wie diese Emotion ausgelöst wird, scheint bei den Menschen unterschiedlich zu sein. Während im Westen das Glück durch Arbeit und Schaffen erreicht werden soll[1], ist man in Afrika glücklich, wenn man in Ruhe gelassen wird und frei von Konflikten ist[2]. Gibt es beim Spaß auch kulturelle und soziale Unterschiede oder können wir uns auf eine Frohsinnsbasis beziehen?

Zunächst einmal haben gewisse Botenstoffe in unserem Gehirn etwas mit dem Glücksempfinden zu tun. Sie nennen sich Endorphine, Oxytocin oder Dopamin und Serotonin. Unser Gehirn möchte uns mit diesen Stoffen belohnen, wenn wir etwas Existenzielles tun, wie zum Beispiel Essen, Fortpflanzung oder Sport. Aber auch, wenn wir erfolgreich Lernen, denn unsere Umwelt verstehen, bedeutet eine höhere Überlebenschance. Um etwas zu verstehen, suchen wir nach bekannten Mustern in allem, was wir erfahren. Erst wenn wir ein bekanntes Muster verknüpfen können, kommt der Aha-Effekt zustande und wir lernen etwas Neues. Ich denke, genau das ist die Hauptfunktion des Spiels, gefahrlos Neues entdecken und damit experimentieren. Doch diese Erkenntnis bringt uns wenig voran, denn Spaß entsteht durch unmittelbarere Phänomene, auch gerade, wenn wir etwas nicht verstehen (ein Zaubertrick ist etwas wundervolles, weil wir das passende Muster nicht finden, obwohl wir wissen, dass es eins geben muss – ansonsten hätten wir wohl Angst vor dem Zauber).

Marc LeBlanc hat eine Auflistung, mit den, seiner Ansicht nach, acht primären „Spielvergnügen“.

1. Sinneseindruck (Sensation)

Wir erfahren Vergnügen durch die Wahrnehmung mit den Sinnen. Seide berühren, einen Sonnenuntergang sehen, eine Köstlichkeit schmecken, eine Melodie hören oder ein atemberaubendes Parfüm riechen, sind Sinneseindrücke, die uns Freude bereiten können. Spielzeuge müssen diesen Aspekt besonders bedienen und auch Videospiele müssen hier überzeugen.

: Die Oper von Thomas Fackler

Vor einigen Jahren durfte ich an einer Spielrunde von Thomas Facklers Spiel „Die Oper“ teilnehmen. Das Spielmaterial ist so edel, dass alleine deshalb der Umgang mit dem Spiel ein großes Vergnügen ist. DIE OPER kostet €2.400, ein Preis der sich aus der Fertigung (http://www.zeitstein.de/oper.html) ergibt.

2. Phantasie (Fantasy)

Einen Traum erleben und aus dem Alltag entfliehen, ist ein Wunsch, den viele haben. Fliegen zu können gehört zu den ältesten Wünschen und ist eine der Eigenschaften bekannter Superhelden.

: In Aion dürfen Spieler fliegen.

3. Erzählung (Narrative)

LeBlanc meint damit nicht unbedingt die klassische lineare Geschichte eines Buchs oder Films. Es geht vielmehr um die dramatische Entfaltung einer Sequenz von Ereignissen. Das Spiel kann in diesem Bereich neue Wege aufzeigen.

: Grusel nach H.P. Lovecraft: Arkham Horror

4. Herausforderung (Challenge)

Im Kern ist das Spiel ein Problem oder Rätsel, das gelöst werden soll. Somit gehört die Herausforderung zu den zentralen Bestandteilen seit den ersten Arcade-Games.

: Ballistic Arcade

5. Gemeinschaft (Fellowship)

Hiermit sollen alle Aspekte des gemeinsamen Spielens betrachtet werden. Communities, Kooperation, Clans und Gilden sind für viele Menschen der Hauptgrund ein bestimmtes Spiel zu spielen.

: Clan: Fragdolls

6. Entdeckung (Discovery)

Eine elementare Spielmechanik ist die verdeckte Information. Bei Kartenspielen sind das häufig die Handkarten der Mitspieler und der Talon oder Zugstapel. In Videospielen gilt es ganze Welten neu zu entdecken, vielleicht aber auch gegnerische Einheiten im Fog of War. Neugierde treibt uns immer weiter voran, um zu sehen, was hinter dem Hügel ist. So zieht es uns auch von einem Level zum nächsten, obwohl wir schon längst im Bett sein sollten.

: Myst

7. Ausdruck (Expression)

Dinge erschaffen oder sich selbst darstellen sind eine starke Motivation sich langfristig an ein Spiel zu binden. Seit dem sich Videospiele diesem Vergnügen geöffnet haben, wird es schwieriger für die klassischen Hobbyspiele ihre treuen Kunden zu halten. Obwohl die Videospiele dabei erst am Anfang stehen, haben sie schon beachtliches geschaffen. Die Zukunft des User-Generated-Content wird interessant und spannend.

: Nein, nicht Heidi Klum, sorry!

8. Unterwerfung (Submission)

Sobald ein Spieler den „Magic Circle“ betritt unterwirft er sich den Regeln des Spiels. Eine Spielwelt gibt ihre Grenzen vor und der Spieler bleibt diesen treu. So lasse ich mein Wissen über Physik außen vor, wenn ich die magische Welt von World of Warcraft betrete, in der ich auf merkwürdigste Weise einen Hubschrauber bauen kann, der sogar fliegt.

: Viel Spaß bei der Große Dalmuti

Aber es gibt auch andere Einteilungen für die Gründe, warum Menschen bestimmte Spiele mehr mögen, als andere. Der Game Designer Richard Bartle[3] hat vier Kategorien gefunden und sie mit den Symbolen eines Kartenspiels versehen. Er nimmt diese Aufteilung aus der Beobachtung von Spielern in Multi-User-Dungeons (MUDs).

1. Karo – Der Ehrgeizige (Achievers)

Dieser Spieler sucht die Herausforderung und möchte möglichst schwierige Erfolge verbuchen. Umso schwerer das Spiel, desto größer der Ansporn.

2. Pik – Der Erforscher (Explorers)

Er möchte das ganze Spiel gesehen haben. Er spielt mehrere Charakterklassen und wandert auch abseits der klaren Storyline.

3. Herz – Der Gesellige (Socializers)

Ihm sind die Mitspieler wichtig. Er möchte nicht alleine spielen, sondern das Erlebnis gemeinsam teilen.

4. Kreuz – Der Aufdringliche (Killers)

Dieser Spieler möchte bemerkt werden. Das schafft er, in dem er andere nervt, zum Beispiel durch das Töten derer Spielfigur. Allerdings kann dieser Typ sich auch darin äußern, dass er hilft, zum Beispiel indem er Mitspieler heilt.

Die Zuordnung der Kartensymbole soll eine Gedächtnisstütze sein, ist aber nur im Englischen sinnig:

Achievers are Diamonds (they’re always seeking treasure); explorers are Spades (they dig around for information); socialisers are Hearts (they empathise with other players); killers are Clubs (they hit people with them).

Bartle stellt diese Spielertypen in einem Raster dar. Der Ehrgeizige ist aktiv in der Spielwelt, um sie zu kontrollieren. Er arbeitet am „Mastery“, versucht die Spielmechanik zu bezwingen und kümmert sich wenig um das Bunte darum herum. Der Ehrgeizige ist stolz auf seinen Rang innerhalb der Hierarchie der Spielmechanik und in welcher Zeit der diesen erreicht hat.

Der Erforscher dagegen interagiert mit der Spielwelt. Er liebt es überrascht zu werden und Unbekanntes aufzudecken. Der Erforscher möchte Kenntnis über die Spielwelt erlangen und freut sich, wenn neue Spieler ihn als Informationsquelle respektieren.

Der Gesellige interagiert mit anderen Spielern. Die Spielwelt ist die Bühne, auf der er Mitspieler treffen und mit ihnen reden kann. Der Gesellige wertet Bekannte, Freundschaften und seinen Einfluss auf Mitspieler am höchsten.

Der Aufdringliche agiert mit Spielern. Er zwängt anderen seine Handlung auf und ist wenig an der Reaktion interessiert. Wissen über die Spielwelt oder –mechanik verwendet er, um seine Überlegenheit an anderen Spielern auszudrücken. Dem Aufdringlichen ist sein Ruf und das Beherrschen seiner Fähigkeiten (meistens Kampf gegen andere) wichtig.

Bartles Raster

Eine weitere Einteilung finden wir bei Nicole Lazzaro (President, XEO Design Inc.), die untersucht hat, welche Emotionen aus dem Gameplay entstehen.

Emotionen haben unterschiedliche Funktionen im Spiel, sagt Lazzaro. Zunächst einmal vermitteln sie dem Spieler das Erlebnis der Freude. Weiterhin fokussieren sie die Aufmerksamkeit des Spielers. An der Kante eines kochenden Lavastroms entlang zu gehen zieht den Spieler stärker in den Bann, als auf einem Bürgersteig zu spazieren. Emotionen helfen uns beim Treffen von Entscheidungen. Nur die wenigsten Entscheidungen werden auf rein logischer Basis getroffen. Außerdem beeinflussen Emotionen unsere Leistung und sie motivieren uns beim Lernen durch Belohnung.

Der Psychologe Paul Ekman definiert sieben Gefühle, die wir an der Gesichtsmimik ablesen können (Facial Action Coding System (FACS)): Wut, Angst, Ekel, Freude, Trauer, Überraschung und Neugierde.

Ich weiß immer ganz genau, wie mein Mann über ein Spiel denkt. Wenn er schreit, „Ich hasse es! Ich hasse es! Ich hasse es!“, dann sagt mir das zwei Dinge: Erstens, er wird es bis zum Ende durchspielen und zweitens, er kauft das AddOn. Sagt er dagegen nichts dergleichen, wird das Spiel nach ein paar Stunden weggeräumt.

Nach Nicole Lazzaro gibt es vier Spielformen, die sie die „4 Fun Keys“ nennt:

Hard Fun
Easy Fun
Serious Fun
People Fun

Jede Form ist eine Sammlung aus Spielmechaniken, die unterschiedliche Gruppen von Emotionen beim Spieler hervorrufen. Die meisten erfolgreichen Spiele, so behauptet Lazzaro, kombinieren drei dieser Fun Keys miteinander.

Hard Fun

Spiele präsentieren dem Spieler Herausforderungen, die er lösen soll. Dieses meistern (Mastery) von Schwierigkeiten ruft eine Emotion hervor, die in Italien Fiero genannt wird. Es ist das Gefühl von persönlichem Triumph nach einer großen Herausforderung. Nach dem Überwinden der letzen Bosse in Demon Souls fühlt man sich wie der Gewinner eines Formel Eins Grand Prix. Es ist ein großartiges Gefühl, jedoch funktioniert es leider nur durch vorangegangenen Frust. Der Spieler muss nahe an der Grenze zum Aufhören sein, damit dieser Moment die richtige Stärke erhält. Der Weg von völlig frustriert zum glücklichen Jubel erlaubt einen großen emotionalen Sprung, der einen echten Kick verschafft. Hier zeigt sich ein Problem für Hersteller von Massenmarktprodukten. World of Warcraft möchte seinem Hardcore-Publikum dieses Gefühl geben, ohne aber die Causual-Gamer auf diesem Weg zu verlieren. Ein schwieriges Problem, das aktuell durch sogenannte Hard-Modes noch nicht optimal gelöst wird. Aber müssen Spiele unbedingt für eine große Gemeinschaft funktionieren? Eine Antwort gibt Demon Souls Producer Takeshi Kajii:

„If you make a game accessible it will expand the audience. However, if we were to make all games accessible, wouldn’t you eventually get tired of the same thing?“

Demon Souls achtet auch darauf, wodurch sich Spiele von Filmen unterscheiden: Das Ergebnis einer Spielsituation muss aus der Entscheidung und Handlung des Spielers resultieren. Um sinnvolle Entscheidungen treffen zu können, benötige ich unterschiedliche Lösungsmöglichkeiten und einen erkennbaren Weg die richtige Strategie herauszufinden.

„Being frustrated usually means the player cannot determine a way to improve or progress. Part of the reason Demon’s Souls works so well is because you understand why you failed.“

Demon Souls

Easy Fun

Einfach mal nur rumfahren und ohne Auftrag den Tag genießen. Ein Akt, den sich viele GTA-Spieler gönnen, um sich vom vielen Verbrecherdasein zu erholen. Die Welt erkunden, den Lichteffekten zuschauen oder in Half Life auf Dosen ballern, die durch die Gegend fliegen. Durch diesen Spielaspekt kann man gut von der Arbeit oder anderen stressigen Dingen abschalten, aber meiner Meinung nach steckt noch mehr dahinter.

Ich unterscheide zwischen Spielzeug (Toy) und Spiel (Game). Ein gutes Spiel bedient beide Elemente gleichermaßen hochwertig. Der Spieler sollte Spaß am Spiel haben, ohne das Spielziel zu verfolgen. Das bedeutet der Sinneseindruck (Sensation) muss Vergnügen bereiten. Ein perfektes Beispiel dafür ist die Animation des Sprungs bei den Nachtelfen in World of Warcraft. Während die anderen Völker einfach nur (dämlich) hopsen, wenn ich die Sprungtaste drücke, macht der Nachtelf hier und dann einen wunderschönen Salto. Alleine deshalb macht es mehr Spaß mit einem Nachtelfen, als einem Zwerg die große Welt zu erkunden (außerdem haben die weiblich Nachtelfen den schönsten Hintern – trotzdem ist es natürlich ein Fehler, bei der Völkerwahl, sich für die Elfen zu entscheiden!).

Die Leichtigkeit des Spiels: Flower

Serious Fun

Ernsthaftes Spielen bedeutet das Spiel mit einem Zweck. Spielerische Mittel werden benutzt, um realer Arbeit mehr Spaß abzugewinnen. So gibt es nette Sounds in der Buchhaltungssoftware oder Menschen benutzen eine Wii Fit, um Gewicht zu verlieren. Einige „Gehirn-Jogging“-Spiele sollen klüger machen oder den Fortschritt von Alzheimer verlangsamen. In einigen Vergnügungsparks gibt es Mini-Spiele, die von der Langeweile beim Schlangestehen ablenken sollen. Bei den Serious Games steht der Wert (in welcher Form auch immer), den der Spieler vor, während oder nach dem Spiel erschafft im Zentrum der positiven Emotion.

Wii Fit Spieler

People Fun

Spiele boten schon immer eine Möglichkeit zur Kommunikation mit anderen Menschen (oder auch Tieren). Kooperation, Wettbewerb oder Tausch erzeugen eine Vielzahl von Gefühlen bei den Teilnehmern. So spricht man von Schadenfreude, beim Unglück anderer oder Naches (hebräisch), als Gefühl des Stolzes und der Freude gegenüber den eigenen Kindern oder bei der Unterstützung anderer. Spielt man gemeinsam, kommen negative Emotionen deutlich weniger vor. Es überwiegt das Vergnügen mit anderen zusammen zu sein und Spieler lachen selbst bei negativen Ereignissen. Bei den MMOs und vielen anderen Spielen, die People Fun stark benutzen, kommen die Spieler wegen dem Inhalt zum Spiel – sie bleiben jedoch wegen der Verbindung, die sie zu anderen Spielern fühlen.

LAN-Party

Es gibt noch andere Fun-Arten oder Gefühle, die ich nicht beschrieben habe (Erleben eines Wunders, Ekstase, Dankbarkeit, usw.), doch diese sollten die wichtigsten sein, wenn es um das Entwickeln von Spielen geht. Die Anwendungen die aus diesen Formen entstehen sind vielfältig und ich werde sie zum Teil später noch genauer darstellen (zum Beispiel Erzählung oder Community). Achte bei den Spielen auf die Fun-Makers und die Fun-Killers oder wenn du einen Schritt weiter gehen möchtest, wie Spiele ohne Spaß aussehen könnten.

Soweit zu den Spaß-Faktoren. Kommen wir zurück zu unserem Projekt FRANKENSTEIN.

Welchen Spielertyp möchtest du mit deinem Spiel erreichen? Wenn dies dein erstes Projekt ist, benutze einfach dich selbst oder einen guten Freund als Spielertyp. Alles andere ist relativ aufwendig. Bei größeren Produktionen werden Focus-Groups eingesetzt, in denen die gewünschte Zielgruppe befragt und mit unterschiedlichen Prototypen getestet wird.

Spaß entsteht aus der SPIELFORM, die du wählst. Sie ist die Grundlage des sogenannten Gameplays. Das Gameplay ist das Erlebnis des Spielers, wenn er das Spiel spielt (… how the game plays.) Ist es ein hektisches Spiel oder eher ruhig? Muss ich viel nachdenken oder einfach nur schnell reagieren? Bestimmte Technologien stehen für typische Spielformen. Rundenbasierte Brettspiele (es wird abwechselnd gespielt) geben meistens Zeit zum Nachdenken, bevor man handelt. Bei Videospielen wird oft die Reaktionsschnelligkeit getestet, denn es wird in Echtzeit (gleichzeitig) gespielt.

Da es viel einfacher ist mit einem Brettspiel Game Design zu erlernen, gehe ich etwas genauer auf diese Form ein. Warum spielst du ein Brettspiel? Welches Brettspiel spielst du am liebsten? Welche anderen Brettspiele spielst du gerne? Was haben sie gemeinsam? Die meisten Menschen spielen Gesellschaftspiele, wegen der Gesellschaft, nicht wegen des Spielmechanismus. Üblicherweise wartet man ab, welche Spieler die Gruppe ausmachen, bevor man ein Spiel wählt, das dann gemeinsam gespielt wird. Es wird in der Gruppe gemeinsam entscheiden, welches Spiel am ehesten zu allen Spielern passt. Zwei Spielformen machen dabei meist das Rennen:

a) Ein Spiel, bei dem die Spieler sehr mit sich selbst beschäftigt sind, denn ihre Handlungen führen direkt zum Sieg.
b) Ein Spiel, bei dem die Reaktionen anderer wichtig sind und bei dem ich nur auf mich gestellt schlechte Siegchancen habe.

Ein Beispiel für a) wäre Keltis (Spiel des Jahres 2008 von Reiner Knizia). Ich kann das Spiel komplett spielen und gewinnen, indem ich kein einziges Wort mit meinen Mitspielern wechsle. Ein Gegenbeispiel und Exemplar von Typ b) ist Tabu. Das miteinander Reden wird gefördert und nur im Team kann gewonnen werden.

Es gibt unzählige Zwischenstufen (z.B. Diplomacy), aber im Grunde geht es um die Kommunikation untereinander. Ich tendiere bei Brettspielen zu der Variante b). Es muss kommuniziert werden (gerne auch non-verbal), sonst ist die Alternative – das Videospiel oder ein Spielzeug – oft attraktiver. Bei Brettspielen sollte also der Spieler offen oder subtil gezwungen werden, mit seinen Mitspielern zu kommunizieren. Eine der einfachsten und effektivsten Methoden ist der Tausch von Spielressourcen (siehe Bohnanza, Die Siedler von Catan) oder das Beeinflussen gegnerischer Spielelemente (siehe Roborally, Mau Mau).

Was machen wir jetzt mit FRANKENSTEIN?

Viele von euch haben Stories in ihrer Idee gepostet. Das ist gut so, denn wir gehen das Spiel vom Thema an. Die letzte Aufgabe war, einen Spielertypen für eure Idee zu finden. Vielleicht macht es der heutige Inhalt etwas leichter, diesen zu finden. Aber jetzt folgt der kniffelige Teil: Ihr müsst ein Spielerlebnis mit eurer Idee verbinden (muss nicht eure Idee sein, ihr könnt abschauen oder neu erfinden). Dieses Spielerlebnis sollte nicht zu komplex sein, sondern auf einer einzigen Kernmechanik beruhen. Also nicht World of Warcraft neu ausdenken oder Magic: The Gathering. Es muss ein einfaches Spiel werden, das ihr innerhalb von 14 Tagen umsetzen könnt. Die Story ist nur ein grobes Hintergrundgerüst. Nun suchen wir das Spielgefühl und danach die passenden Mechaniken.

Schau euren typischen Spieler an. Welche Emotionen hat er, wenn er das Spiel spielt? Welche Spiele kennt ihr, bei denen das ähnlich ist? Wollt ihr ein gieriges Grinsen sehen, wie bei Monopoly? Oder ein schadenfrohes Lachen, wie bei Mau Mau? Bluff, wie bei Poker? Lug und Trug, wie bei Junta? Genaues Zielen, wie bei Moorhuhn? Reaktionsgeschwindigkeit, wie beim Autorennen? Nehmt euch erreichbare Vorbilder. Es nutzt nichts, wenn ihr eine tolle Spielidee habt, die aber so umfangreich ist, dass ihr sie nicht umsetzen könnt.

Aufgabe:

Versucht das Kernelement eures Gameplay herauszufinden. Was macht der Spieler als seine wichtigste, immer wiederholende Handlung? Welche Wahlmöglichkeiten hat er dabei?

Beispiel Mau Mau: Die Kernspielmechanik ist das passende Ablegen einer Karte von der Hand auf den Ablagestapel. Diese Mechanik bestimmt das ganze Spiel. Es gewinnt, wer diese Handlung nicht mehr durchführen kann, weil er keine Karten mehr hat. Welche Karte der Spieler ablegt, ist von Bedeutung. Sie beeinflusst die Spielmöglichkeiten der anderen Spieler. Als Spieler habe ich also eine bewusste Wahlmöglichkeit, die eine Bedeutung für das Spiel hat. Kann oder will der Spieler keine seiner Handkarten ablegen, greift eine neue Spielmechanik: Erweitern der Ressourcen durch das Ziehen einer Karte vom Kartenstapel. Sie unterstützt direkt die Kernmechanik.
Mau Mau erschafft die Kommunikation durch das Beeinflussen der Spielmöglichkeiten der Mitspieler. Aussetzen, Kartenziehen, Farben wählen – der Mitspieler wird ständig vor eine neue Spielsituation gestellt. Dieses Ärgern fördert die Gesprächsbereitschaft. Letztendlich ist das Spiel sehr einfach und mit viel Glück versehen, wodurch die Zielgruppe enorm erweitert wird.

Welches Gameplay könnte dein Spiel bestimmen? Welche Emotionen werden dadurch erzeugt? Welches Ziel verfolgt der Spieler? Postet eure Gedanken unter Frankenstein – GAMEPLAY im Forum. Habt keine Scheu etwas zu schreiben, was falsch sein könnte oder zu simpel. Ich werde helfend zur Seite stehen.

Bis nächste Woche!

[1] Die Forschung stellt dies allerdings in Frage: http://www.heise.de/tp/r4/artikel/21/21611/1.html

[2] Dieter Birnbacher, Philosophie des Glücks (http://www.jp.philo.at/texte/BirnbacherD1.pdf)

[3] Richard Bartle, HEARTS, CLUBS, DIAMONDS, SPADES: PLAYERS WHO SUIT MUDS, http://mud.co.uk/richard/hcds.htm

Eigentlich könnte dieser Artikel auch ganz am Anfang eines Einführungskurses stehen, schließlich ist Spaß der Grund für den ganzen Aufwand, den wir Spieleentwickler betreiben. Spaß stammt vom italienischen Spasso ab, was Vergnügen, Freude oder Frohsinn bedeutet. Wie diese Emotion ausgelöst wird, scheint bei den Menschen unterschiedlich zu sein. Während im Westen das Glück durch Arbeit und Schaffen erreicht werden soll[1], ist man in Afrika glücklich, wenn man in Ruhe gelassen wird und frei von Konflikten ist[2]. Gibt es beim Spaß auch kulturelle und soziale Unterschiede oder können wir uns auf eine Frohsinnsbasis beziehen?

Marc LeBlanc hat eine Auflistung, mit den, seiner Ansicht nach, acht primären „Spielvergnügen“.

1. Sinneseindruck (Sensation)

http://www.zeitstein.de/images/Oper1.jpg

2. Phantasie (Fantasy)

Einen Traum erleben und aus dem Alltag entfliehen, ist ein Wunsch, den viele haben. Fliegen zu können gehört zu den ältesten Wünschen und ist eine der Eigenschaften bekannter Superhelden.

http://z.about.com/d/internetgames/1/0/k/_/aion16.jpg

In Aion dürfen Spieler fliegen.

3. Erzählung (Narrative)

LeBlanc meint damit nicht unbedingt die klassische lineare Geschichte eines Buchs oder Films. Es geht vielmehr um die dramatische Entfaltung einer Sequenz von Ereignissen. Das Spiel kann in diesem Bereich neue Wege aufzeigen.

http://z.about.com/d/boardgames/1/0/R/d/gencon_027.jpg

Grusel nach H.P. Lovecrafts Call of Cthuluh in Arkam Horror

4. Herausforderung (Challenge)

Im Kern ist das Spiel ein Problem oder Rätsel, das gelöst werden soll. Somit gehört die Herausforderung zu den zentralen Bestandteilen seit den ersten Arcade-Games.

Bild Acrade

5. Gemeinschaft (Fellowship)

Hiermit sollen alle Aspekte des gemeinsamen Spielens betrachtet werden. Communities, Kooperation, Clans und Gilden sind für viele Menschen der Hauptgrund ein bestimmtes Spiel zu spielen.

Bild: Clan

6. Entdeckung (Discovery)

7. Ausdruck (Expression)

Bild WH vs Guitar Hero

8. Unterwerfung (Submission)

Bild Dalmuti?

1. ¨ Karo – Der Ehrgeizige (Achievers)

Dieser Spieler sucht die Herausforderung und möchte möglichst schwierige Erfolge verbuchen. Umso schwerer das Spiel, desto größer der Ansporn.

2. ª Pik – Der Erforscher (Explorers)

Er möchte das ganze Spiel gesehen haben. Er spielt mehrere Charakterklassen und wandert auch abseits der klaren Storyline.

3. © Herz – Der Gesellige (Socializers)

Ihm sind die Mitspieler wichtig. Er möchte nicht alleine spielen, sondern das Erlebnis gemeinsam teilen.

4. § Kreuz – Der Aufdringliche (Killers)

Die Zuordnung der Kartensymbole soll eine Gedächtnisstütze sein, ist aber nur im Englischen sinnig:

Achievers are Diamonds (they’re always seeking treasure); explorers are Spades (they dig around for information); socialisers are Hearts (they empathise with other players); killers are Clubs (they hit people with them).

Eine weitere Einteilung finden wir bei Nicole Lazzaro http://www.xeodesign.com/founder.html (President, XEO Design Inc.), die untersucht hat, welche Emotionen aus dem Gameplay entstehen.

Der Psychologe Paul Ekman definiert sieben Gefühle, die wir an der Gesichtsmimik ablesen können (Facial Action Coding System (FACS)): Wut, Angst, Ekel, Freude, Trauer, Überraschung und Neugierde.

Ich weiß immer ganz genau, wie mein Mann über ein Spiel denkt. Wenn er schreit, „Ich hasse es! Ich hasse es! Ich hasse es!“, dann sagt mir das zwei Dinge: Erstens, er wird es bis zum Ende durchspielen und zweitens, er kauft das AddOn. Sagt er dagegen nichts dergleichen, wird das Spiel nach ein paar Stunden weggeräumt.

Nach Nicole Lazzaro gibt es vier Spielformen, die sie die „4 Fun Keys“ nennt:

· Hard Fun

· Easy Fun

· Serious Fun

· People Fun

Hard Fun

„If you make a game accessible it will expand the audience. However, if we were to make all games accessible, wouldn’t you eventually get tired of the same thing?“

„Being frustrated usually means the player cannot determine a way to improve or progress. Part of the reason Demon’s Souls works so well is because you understand why you failed.“

Easy Fun

Serious Fun

People Fun

In diesem Sinne schon jetzt ein Frohes Weihnachtsfest! Danke für das Lesen dieses Blogs.

[1] Die Forschung stellt dies allerdings in Frage: http://www.heise.de/tp/r4/artikel/21/21611/1.html

[2] Dieter Birnbacher, Philosophie des Glücks (http://www.jp.philo.at/texte/BirnbacherD1.pdf)

[3] Richard Bartle, HEARTS, CLUBS, DIAMONDS, SPADES: PLAYERS WHO SUIT MUDS, http://mud.co.uk/richard/hcds.htm

Ich füge an dieser Stelle einen Artikel aus dem letzten Semester ein. Er soll eine Übersicht geben, welche Formen von Spaß wir erschaffen können.

Marc LeBlanc hat eine Auflistung, mit den, seiner Ansicht nach, acht primären „Spielvergnügen“.

1. Sinneseindruck (Sensation)

: Die Oper von Thomas Fackler

2. Phantasie (Fantasy)

Einen Traum erleben und aus dem Alltag entfliehen, ist ein Wunsch, den viele haben. Fliegen zu können gehört zu den ältesten Wünschen und ist eine der Eigenschaften bekannter Superhelden.

: In Aion dürfen Spieler fliegen.

3. Erzählung (Narrative)

: Grusel nach H.P. Lovecraft: Arkham Horror

4. Herausforderung (Challenge)

Im Kern ist das Spiel ein Problem oder Rätsel, das gelöst werden soll. Somit gehört die Herausforderung zu den zentralen Bestandteilen seit den ersten Arcade-Games.

: Ballistic Arcade

5. Gemeinschaft (Fellowship)

Hiermit sollen alle Aspekte des gemeinsamen Spielens betrachtet werden. Communities, Kooperation, Clans und Gilden sind für viele Menschen der Hauptgrund ein bestimmtes Spiel zu spielen.

: Clan: Fragdolls

6. Entdeckung (Discovery)

: Myst

7. Ausdruck (Expression)

: Nein, nicht Heidi Klum, sorry!

8. Unterwerfung (Submission)

: Viel Spaß bei der Große Dalmuti

1. Karo – Der Ehrgeizige (Achievers)

Dieser Spieler sucht die Herausforderung und möchte möglichst schwierige Erfolge verbuchen. Umso schwerer das Spiel, desto größer der Ansporn.

2. Pik – Der Erforscher (Explorers)

Er möchte das ganze Spiel gesehen haben. Er spielt mehrere Charakterklassen und wandert auch abseits der klaren Storyline.

3. Herz – Der Gesellige (Socializers)

Ihm sind die Mitspieler wichtig. Er möchte nicht alleine spielen, sondern das Erlebnis gemeinsam teilen.

4. Kreuz – Der Aufdringliche (Killers)

Die Zuordnung der Kartensymbole soll eine Gedächtnisstütze sein, ist aber nur im Englischen sinnig:

Achievers are Diamonds (they’re always seeking treasure); explorers are Spades (they dig around for information); socialisers are Hearts (they empathise with other players); killers are Clubs (they hit people with them).

Bartles Raster

Eine weitere Einteilung finden wir bei Nicole Lazzaro (President, XEO Design Inc.), die untersucht hat, welche Emotionen aus dem Gameplay entstehen.

Ich weiß immer ganz genau, wie mein Mann über ein Spiel denkt. Wenn er schreit, „Ich hasse es! Ich hasse es! Ich hasse es!“, dann sagt mir das zwei Dinge: Erstens, er wird es bis zum Ende durchspielen und zweitens, er kauft das AddOn. Sagt er dagegen nichts dergleichen, wird das Spiel nach ein paar Stunden weggeräumt.

Nach Nicole Lazzaro gibt es vier Spielformen, die sie die „4 Fun Keys“ nennt:

Hard Fun
Easy Fun
Serious Fun
People Fun

Hard Fun

„If you make a game accessible it will expand the audience. However, if we were to make all games accessible, wouldn’t you eventually get tired of the same thing?“

„Being frustrated usually means the player cannot determine a way to improve or progress. Part of the reason Demon’s Souls works so well is because you understand why you failed.“

Demon Souls

Easy Fun

Die Leichtigkeit des Spiels: Flower

Serious Fun

Wii Fit Spieler

People Fun

LAN-Party

Soweit zu den Spaß-Faktoren. Kommen wir zurück zu unserem Projekt FRANKENSTEIN.

Was machen wir jetzt mit FRANKENSTEIN?

Aufgabe:

Versucht das Kernelement eures Gameplay herauszufinden. Was macht der Spieler als seine wichtigste, immer wiederholende Handlung? Welche Wahlmöglichkeiten hat er dabei?

Beispiel Mau Mau: Die Kernspielmechanik ist das passende Ablegen einer Karte von der Hand auf den Ablagestapel. Diese Mechanik bestimmt das ganze Spiel. Es gewinnt, wer diese Handlung nicht mehr durchführen kann, weil er keine Karten mehr hat. Welche Karte der Spieler ablegt, ist von Bedeutung. Sie beeinflusst die Spielmöglichkeiten der anderen Spieler. Als Spieler habe ich also eine bewusste Wahlmöglichkeit, die eine Bedeutung für das Spiel hat. Kann oder will der Spieler keine seiner Handkarten ablegen, greift eine neue Spielmechanik: Erweitern der Ressourcen durch das Ziehen einer Karte vom Kartenstapel. Sie unterstützt direkt die Kernmechanik.
Mau Mau erschafft die Kommunikation durch das Beeinflussen der Spielmöglichkeiten der Mitspieler. Aussetzen, Kartenziehen, Farben wählen – der Mitspieler wird ständig vor eine neue Spielsituation gestellt. Dieses Ärgern fördert die Gesprächsbereitschaft. Letztendlich ist das Spiel sehr einfach und mit viel Glück versehen, wodurch die Zielgruppe enorm erweitert wird.

Bis nächste Woche!

[1] Die Forschung stellt dies allerdings in Frage: http://www.heise.de/tp/r4/artikel/21/21611/1.html

[2] Dieter Birnbacher, Philosophie des Glücks (http://www.jp.philo.at/texte/BirnbacherD1.pdf)

[3] Richard Bartle, HEARTS, CLUBS, DIAMONDS, SPADES: PLAYERS WHO SUIT MUDS, http://mud.co.uk/richard/hcds.htm

Marc LeBlanc hat eine Auflistung, mit den, seiner Ansicht nach, acht primären „Spielvergnügen“.

1. Sinneseindruck (Sensation)

http://www.zeitstein.de/images/Oper1.jpg

2. Phantasie (Fantasy)

Einen Traum erleben und aus dem Alltag entfliehen, ist ein Wunsch, den viele haben. Fliegen zu können gehört zu den ältesten Wünschen und ist eine der Eigenschaften bekannter Superhelden.

http://z.about.com/d/internetgames/1/0/k/_/aion16.jpg

In Aion dürfen Spieler fliegen.

3. Erzählung (Narrative)

http://z.about.com/d/boardgames/1/0/R/d/gencon_027.jpg

Grusel nach H.P. Lovecrafts Call of Cthuluh in Arkam Horror

4. Herausforderung (Challenge)

Im Kern ist das Spiel ein Problem oder Rätsel, das gelöst werden soll. Somit gehört die Herausforderung zu den zentralen Bestandteilen seit den ersten Arcade-Games.

Bild Acrade

5. Gemeinschaft (Fellowship)

Hiermit sollen alle Aspekte des gemeinsamen Spielens betrachtet werden. Communities, Kooperation, Clans und Gilden sind für viele Menschen der Hauptgrund ein bestimmtes Spiel zu spielen.

Bild: Clan

6. Entdeckung (Discovery)

7. Ausdruck (Expression)

Bild WH vs Guitar Hero

8. Unterwerfung (Submission)

Bild Dalmuti?

1. ¨ Karo – Der Ehrgeizige (Achievers)

Dieser Spieler sucht die Herausforderung und möchte möglichst schwierige Erfolge verbuchen. Umso schwerer das Spiel, desto größer der Ansporn.

2. ª Pik – Der Erforscher (Explorers)

Er möchte das ganze Spiel gesehen haben. Er spielt mehrere Charakterklassen und wandert auch abseits der klaren Storyline.

Ihm sind die Mitspieler wichtig. Er möchte nicht alleine spielen, sondern das Erlebnis gemeinsam teilen.

4. § Kreuz – Der Aufdringliche (Killers)

Die Zuordnung der Kartensymbole soll eine Gedächtnisstütze sein, ist aber nur im Englischen sinnig:

Eine weitere Einteilung finden wir bei Nicole Lazzaro http://www.xeodesign.com/founder.html (President, XEO Design Inc.), die untersucht hat, welche Emotionen aus dem Gameplay entstehen.

Nach Nicole Lazzaro gibt es vier Spielformen, die sie die „4 Fun Keys“ nennt:

· Hard Fun

· Easy Fun

· Serious Fun

· People Fun

Hard Fun

„If you make a game accessible it will expand the audience. However, if we were to make all games accessible, wouldn’t you eventually get tired of the same thing?“

„Being frustrated usually means the player cannot determine a way to improve or progress. Part of the reason Demon’s Souls works so well is because you understand why you failed.“

Easy Fun

Serious Fun

People Fun

In diesem Sinne schon jetzt ein Frohes Weihnachtsfest! Danke für das Lesen dieses Blogs.

[1] Die Forschung stellt dies allerdings in Frage: http://www.heise.de/tp/r4/artikel/21/21611/1.html

[2] Dieter Birnbacher, Philosophie des Glücks (http://www.jp.philo.at/texte/BirnbacherD1.pdf)

[3] Richard Bartle, HEARTS, CLUBS, DIAMONDS, SPADES: PLAYERS WHO SUIT MUDS, http://mud.co.uk/richard/hcds.htm

Frankenstein als Spielidee und was sein Anwalt dazu sagt.

ludusmechanicus — Mon, 26 Apr 2010 12:12:36 +0000

Frankenstein als Vorlage zu einer Spielidee zu benutzen, wird auch als „Stroy-driven“ Ansatz zum Game Design genannt. Die Idee zum Spiel kommt von einer Geschichte oder einem bereits vorhandenen Hintergrund. Dieser Ansatz ist typisch für Spiele, die auf einer Lizenz basieren. Gerade große Publisher wie EA oder Activision/Blizzard setzen auf zugstarke Lizenzen, zum Beispiel aus dem Sport- oder Filmbereich. Eine erfolgreiche und bekannte Marke reduziert das Risiko eines finanziellen Fehlschlags. So wird ein FIFA Fußballspiel immer eine kritische Masse an Käufern finden, solange man sich den Ruf nicht durch einen katastrophalen Vorgänger ruiniert.

Der Herr der Ringe war die perfekte Lizenz für Games Workshop Tabletopspiele

Worauf muss man achten, wenn eine Lizenz umgesetzt werden soll? Bei aktuell erfolgreichen Lizenzen wird bereits vom Lizenzgeber durch das „Aproval“ ein Teil der Qualität gesichert. Ansonsten gilt es die Stärken der Lizenz mit den Stärken des Spielsystems optimal zu verknüpfen. Bei einem Der Herr der Ringe-Strategiespiel müssen natürlich die Schlüsselschlachten der Geschichte (z.B. Helms Klamm) spielbar sein, denn genau das spukt im Kopf eines Strategiespielers rum, wenn er den Film sieht.

Schwieriger ist es, wenn wir eine alte, angestaubte Lizenz ausgraben (wie Frankenstein). Egal in welches Medium wir die Geschichte portieren, wir müssen dabei unbedingt auf die Erwartungshaltung der Zielgruppe achten. Das muss nicht heißen, dass wir eine Idee so umsetzen, wie es der Großteil des Publikums machen würde, sondern dass wir die Stimmung der Gesellschaft oder speziellen Zielgruppe beachten.

In einer Zeit, wo wir die meisten unserer Werkzeuge nicht mehr verstehen (Wie viele Prozent der Bevölkerung wissen genau, wie ein Fernseher funktioniert? Oder ein Telefon, Benzinmotor, Elektromotor, CPU, Aspirin? ), in einer Zeit, wo unser Geld durch Bankenkrisen verbrannt wird und wir keine ehrliche Antwort auf unsere Zukunft von Politikern erhalten, in dieser Zeit steht der Wunsch nach Wahrheit oder Wahrhaftigkeit ganz oben. Wir sind aufgeklärt und nicht dumm, entsprechend wollen wir auch unterhalten werden. Der König im Herrn der Ringe hat fettige Haare und dreckige Fingernägel (in den 70ern undenkbar!), Batman ist keine Komik(Comic)figur, sondern eine tragische, stark gestörte Person. Auch sein Gegner, der Joker ist „realistisch“. Er ist irre, aber glaubhaft. James Bond jettet nicht mit einem nutzlosen Düsenrucksack herum, sondern läuft atemberaubend, wie ein Parcour-Läufer über eine Baustelle. Die Stunts sind glaubhaft und der Agent ist brutal ehrlich.

James, you’re the man!

Außerdem haben wir ein Bedürfnis nach Helden. Wir suchen den Menschen, der uns aus dieser Situation der Sinnesflut und Machtlosigkeit erlöst. Superhelden haben ein gewaltiges Comeback erlebt. Aber vor allem müssen auch sie glaubhaft sein. Wir lieben einen Spiderman mit Löchern im Kostüm, der unsere Probleme teilt: Stress an der Uni, im Job und mit der Freundin. Ach und um die Tante muss er sich auch noch kümmern (optimale Besetzung Tobey Maquire). Ein Superman, stark und unbezwingbar, wie in den Zeiten des Kalten Kriegs, möchte heute keiner mehr sehen.

Tobey Maquire hat nachvollziehbare Probleme.

Letztendlich steigen dadurch die Chancen für einen charismatischen Diktator, an die Macht zu kommen… aber glücklicherweise gehört dieses Thema nicht hierher.

Weitere populäre Methoden Ideen zu entwickeln sind Art-Driven und Technologie-Driven.

Art-Driven

H. R. Gigers Kunst inspirierte nicht nur Ridley Scott.

Kunst inspiriert uns zum Nachdenken. Kunst hat keine direkte Funktion, wodurch wir sie als Werkzeug nutzen könnten. Aber sie ist ein phantastischer Ausgangspunkt für Spielideen. Beim Betrachten von Kunstwerken, stößt unsere Phantasie das Tor zur Traumwelt auf. Je nachdem, wie emotional wir getroffen werden, erleben wir Situationen oder ganze Geschichten. Wenn Kunst uns besonders stark aufwühlt, dann ist das der Moment, um zu ergründen, warum sie das tut. Darin steckt vielleicht der Kern des nächsten Blockbusters. Auch Musik kann eine solche Wirkung auf uns haben und als Ausgangspunkt für Ideen gelten.

Technology-driven

Hier möchte ich nun zwei Varianten aufzeigen: Technologie des Werkzeugs oder der Plattform, die wir benutzen oder Spielmechaniken, also Prozesse, die in einem Spiel ablaufen. Die Entwicklung der Videospiele ist immer stark von der Entwicklung der Technik und Software abhängig gewesen: 3D-Grafik und Physik-Engines sind typische Beispiele, die Spiele wie Wolfenstein 3D oder Crayon ermöglichten.

Das Waldschattenspiel ist ein Brettspiel mit einer innovativen Licht/Schattentechnologie.

Wir können aber auch Ideen aus einer Spielmechanik schöpfen. Vielleicht suchen wir ein optimales Thema, um im Multiplayer den BLUFF als Kernmechanik einzubauen. Oder wir haben das Konzept der Zeitreise im Kopf, um ein Spiel zu entwickeln, in dem der Spieler die Herausforderungen durch dieses Prinzip bewältigen soll.

Blake White benutzt die Mechanik des Farbwechsels als Spielidee.

Warum Frankenstein und nicht Batman? Ich habe bewusst eine ältere Geschichte als Thema gesucht. Das hat zwei Gründe: erstens ist Frankenstein aktuell nicht in den Medien. Der letzte Film ist vor fünf Jahren gelaufen und die Story ist nicht so abgegriffen, zum Beispiel Bram Stokers Dracula (und alle dazugehörigen Twilight-Auswucherungen – wer aber Dracula noch nicht im Original gelesen hat, dem kann ich das trotzdem sehr empfehlen!). Der andere Grund ist, dass Frankenstein gar keine Lizenz ist, sondern frei von Urheberrechten. Normalerweise würde man für die Nutzung eines solchen Werkes (Intellectual Property (IP)) die Erlaubnis des Autors einholen und Gebühren zahlen müssen. Ich bin kein Jurist und daher kann ich nur begrenzt Auskünfte zum Urheberrecht geben. Ich kann auch keine Garantie dafür geben, ob die Punkte vor Gericht Bestand haben, trotzdem versuche ich kurz die wichtigsten Punkte anzuschneiden:

Deutsches Urheberrecht nicht gleich US-Copyright

Prinzipiell nicht miteinander gleichsetzen. Jedes Land hat andere Urheberrechtsgesetze oder Gesetze zur Reproduktion und Vervielfältigung. Es gibt internationale Übereinkünfte, aber die sind ziemlich komplex und von vielen Ländern nicht anerkannt (z.B Hong Kong bei China ausgeschlossen).

Auf Ideen gibt es keinen Urheberechtsschutz.
Ich hatte die Idee zum Mondflug vor der Nasa! Ich will Geld sehen!!! Ich denke, der Punkt ist klar.

‘Spielideen’ genießen grundsätzlich Urheberechtsschutz.
Was gemeinhin als ‘Spielidee’ bezeichnet wird, meint den gesamten nichtmateriellen Gehalt eines Spiels. Und das ist was ganz anderes als eine bloße Idee (man könnte ja mal ein Spiel machen, indem die Spieler zum Mond fliegen <> konkretes Spiel ‘Mondreise’).

Einzelne Spielmechanismen sind hierzulande nicht schützbar.
Beispiele: Kramerleiste, bei einer 6 nochmal würfeln, … Vorsicht! In den USA kann man jedoch einzelne Spielmechanismen patentieren lassen (bekanntestes Beispiel ist Wizards of the Coast/Magic: Tappen von Karten). Man spricht hier von „Anweisungen an den menschlichen Geist“ und von einer nötigen „Schöpfungshöhe“ (siehe unten).

Der Urheberrechtsschutz beginnt mit der Vollendung des Werkes (i.d.R. Prototyp und niedergeschriebene bzw. ausgedruckte Spielanleitung), nicht erst mit der Veröffentlichung. Das Recht über eine Veröffentlichung zu entscheiden, ist Teil des Urheberrechts. Man muss das Spiel hierfür nirgendwo anmelden oder hinterlegen. Das ist allenfalls sinnvoll, wenn man den Zeitpunkt der Entstehung nachweisbar dokumentieren will.

Titelschutz gibt es dagegen grundsätzlich nur für veröffentlichte Titel (und natürlich für Marken).
Titel sind keine Werke sondern dienen zur Unterscheidung von Werken und sind nicht urheberrechtsfähig.

Der urheberechtliche Schutz endet in Deutschland 70 Jahre nach Ablauf des Jahres, in dem der Urheber verstorben ist
Beispielsweise sind Werke von Lovecraft, der am 15. März 1937 verstorben ist, also vor mehr als 70 Jahren, demzufolge ab 1. Januar 2008 urheberrechtsfrei.

Bloße ‘Anweisungen an den menschlichen Geist’ sind nicht geschützt.
Beispiel: Tempo, kleine Schnecke ist m.W. urheberrechtlich nicht geschützt. Denn die Spieler führen vorgegebene Handlungen aus und haben keine Entscheidungsmöglichkeit. Bei den meisten Spielen jedoch können die Spieler zwischen Handlungsalternativen wählen. Das macht urheberrechtlich gesehen ein Spiel aus.

(Einen seriösen Autor sollte das aber nicht davon abhalten auch ungeachtet der Rechtslage die Arbeit seiner Kollegen zu respektieren.)

Es kommt auf die Schöpfungshöhe an.
Eigenständigen Schutz gibt es nur für etwas, was wirklich neu ist und nicht-trivial.

Die Umsetzung eines Spiels in ein anderes Medium bedarf der Erlaubnis des Urhebers (z.B. Brettspiel -> Computerspiel).

Weiterentwicklungen eines bestehenden Spiels bedürfen ebenfalls der Erlaubnis dessen Urhebers.
Wer ein Siedler-Szenario veröffentlichen will, muss Klaus Teuber (und Kosmos) fragen, selbst dann, wenn er es kostenlos anbieten will.

Interessant sind im rechtlichen Zusammenhang einige Rechtsurteile, vor allem das zu Rainer Knizias Anliegen gegen den Humboldt-Verlag. Wer fachkundige Beratung benötigt, dem möchte ich Herrn Kai Bodensiek von Brehm & Moers empfehlen. Desweiteren habe ich hier eine Zusammenfassung für Videospiele in den USA von Dan Rosenthal, Executive Director von GamesLaw.net: Legal Issues for Game Developers.

Die meisten werden diese rechtlichen Hinweise gerne übersprungen haben. Deshalb hier noch schnell ein Reizwort, zum Wiedereinstieg: SEX mit FRANKENSTEIN! Nachdem nun die Aufmerksamkeit aller wieder versammelt ist, wiederhole ich nochmal, dass der Schutz für Werke, dessen Schöpfer bereits 70 Jahre unter der Erde liegt, erloschen ist (war mal nach 50 Jahren, aber Disney hätte dann die Rechte an Mickey Mouse verloren und somit gab es eine Verlängerung). Bei Firmen im Besitz der Rechte erweitert sich der Schutz sogar auf 75 bis 95 Jahre. Sicherlich kommt es zu einer weiteren Verlängerung, wenn Disney wieder die Rechte verlieren sollte. Stay tuned!

Da Mary Shelley nun aber schon seit fast 160 Jahren tot ist, können wir sicher sein, dass Sie uns nicht mit Forderungen behelligen wird. Ihr könnt also eure Spielideen und Prototypen lizenzfrei umsetzen und dadurch kostenlos auf eine sehr bekannte IP zugreifen.

Dieses Artwork kommt meiner Vorstellung des Monsters entgegen.

Frankenstein-Ideensammlung

Inzwischen haben sich im Forum unter Frankenstein-Brainstorming einige sehr schöne Ideen gesammelt. Gut gefallen haben mir die teilweise sehr clever konstruierten Plots und die unterschiedlichen Herangehensweisen. Aber was machen wir nun daraus? Jetzt folgt der erste schwierige Schritt in der Entwicklung deines kleinen Spiels. Du musst eine Idee auswählen (es kann deine eigene sein, aber auch die eines anderen Teilnehmers – eine Idee alleine ist wenig wert, nur die Umsetzung zählt – oder eine völlig neue Idee), die du realistisch als Konzept umsetzen kannst. Genau, du hast die kritischen Worte erkannt: „realistisch umsetzen“. Was bedeutet das genau? Nun, prinzipiell gibt es zwei Möglichkeiten die Idee umzusetzen. Wie das genau aussehen soll, erklärt die Projektaufgabe:

Projektaufgabe

Erstelle ein Spiel auf der Grundlage des Buchs Frankenstein, von Mary Shelley. Die Geschichte um Frankenstein kann als Inspiration oder Vorlage gelten. Das Spiel ist als Brett/Kartenspiel (empfohlen) oder Videospiel (Pen&Paper Prototyp) umsetzbar. Im Laufe der Entwicklung sollen zum einen eine Dokumentation, sowie ein Prototyp erstellt werden. Für das Brett/Kartenspiel soll der Prototyp spielbar sein und den „Proof of Fun“ realisieren. Entscheidet sich jemand für das Konzept eines Videospiels, so soll der nicht digitale Prototyp (Pen&Paper) die Kernmechanik simulieren.

Deadline Prototyp: 7.7.2010

Deadline Dokumentation & Präsentation: 21.7.2010

1. Dokumentation

Spielidee
Rolle des Spielers
Spielablauf
Spielanleitung (Brett/Kartenspiel)
Spielmechanismus (Pen&Paper Prototyp)

2. Prototyp

Brett/Kartenspiel-Prototyp = Test Mechanismus + Proof of Fun
Pen&Paper Prototyp eines Videospiels = Test Mechanismus

3. Präsentation

Webpräsentation unter LudusMechanicus.com (ganz einfache Wiki-Darstellung)

Das sieht jetzt nach ganz viel Arbeit aus, aber gerade die Dokumentation wird sich jeweils auf nur wenige Absätze beschränken. Insgesamt wird der Aufwand bei ca. 2 Din A4 Seiten liegen. Zu den Jeweiligen Punkten werde ich in den nächsten Wochen genaueres sagen. Der Termin für den Prototyp ist in ca. 6 Wochen. Das ist recht knackig. Umso wichtiger ist es strukturiert vorzugehen. Die wichtigste Frage für euch ist nun: Welche Idee setze ich um, und welches Spiel kann ich damit verbinden?

Da der Test schon wieder recht lang ist, folgen ein paar Tage zum Nachdenken und Planen. Überlegt euch für welchen Spielertypen ihr das Spiel entwickeln wollt und wie sich euer Spiel anfühlen soll. Am nächsten Montag folgt dann ein Ansatz zur Lösung dieser Aufgabe.